In mostra le grandi opere dei tre artisti provenienti dal Padiglione Italia della Biennale 2011. In mostra anche opere storiche degli stessi artisti, che rinviano a precedenti edizioni della Biennale (1966, 1972, 1982), cos\u00ec da visualizzare alcune tappe fondamentali della loro ricerca.<\/p>\n
Nel panorama assai vasto e caotico del Padiglione Italia alla LIV Esposizione Biennale Internazionale d\u2019Arte di Venezia erano presenti anche autentici maestri storici, spesso non sufficientemente valorizzati dal \u201csistema\u201d dell\u2019arte: maestri come Luigi Boille (Pordenone, 1926), Carlo Lorenzetti (Roma, 1934) e Gianfranco Notargiacomo (Roma, 1945), consacrati in passato anche da altre partecipazioni alla Biennale di Venezia, e a cui da molti anni la Galleria Marchetti ha rivolto la sua attenzione e il suo interesse .<\/p>\n
In quest\u2019edizione della Biennale, com\u2019\u00e8 noto, sono stati degli \u201cintellettuali\u201d (selezionati dal curatore del Padiglione, Vittorio Sgarbi) a invitare e presentare gli artisti italiani, suscitando in molti osservatori un interrogativo sul significato del termine stesso di \u201cintellettuale\u201d, e comunque mettendo generalmente in vista lo scollamento e il rapporto spesso casuale, occasionale, quando non forzato, tra letterati, scienziati, uomini di cinema o di teatro o di televisione ecc., e artisti, tipico della cultura italiana oggi dominante. Per contro, assolutamente armonioso, organico, profondamente motivato, si \u00e8 rivelato il rapporto dei nostri tre artisti con i tre grandi uomini di pensiero che li hanno invitati, come risulta con assoluta evidenza dagli intensi testi di presentazione in catalogo. Vicini alla filosofia del linguaggio, alla filosofia della scienza, all\u2019epistemologia, i tre studiosi e pensatori italiani Tullio De Mauro (per Luigi Boille), Tullio Gregory (per Carlo Lorenzetti), Giacomo Marramao (per Gianfranco Notargiacomo), hanno saputo dar corpo, in una sintesi perfetta tra scelta dell\u2019artista e sua motivazione verbale, a uno degli aspetti pi\u00f9 interessanti e significativi della cultura occidentale, a partire dal primo Novecento: lo stretto rapporto tra l\u2019arte e il pensiero filosofico e scientifico.<\/p>\n
La ricerca di ognuno degli artisti da loro segnalati – Boille, Lorenzetti e Notargiacomo, appunto – affonda le proprie radici nella seconda met\u00e0 del ‘900, negli anni epici della conquista dello spazio e dei clamorosi sviluppi delle scoperte sulla composizione della materia, e ne trae linfa ed energia. La danza caleidoscopica e labirintica dei segni-colore nelle opere di Boille degli anni \u201960 – del 1966 \u00e8 la sua prima partecipazione alla Biennale di Venezia – che dimostrano appunto \u201ccome segno e colore siano divenuti una cosa sola\u201d (Cesare Vivaldi), sembra rappresentare splendidamente queste categorie nell\u2019ambito dell\u2019espressione artistica. La materia, in Boille, intraprende un cammino verso l’identit\u00e0 della luce, un cammino che non \u00e8 solo fisico, ma \u00e8 anche spirituale (di \u201cuna spiritualit\u00e0 che respinge ogni sentimentalismo\u201d , come scriveva il poeta Murilo Mendes proprio nel \u201966): un cammino verso l\u2019essenza, che porta i segni a rarefarsi via via, sino a fluttuare in un infinito campo di colore intenso ma placato, un paesaggio prima o dopo lo forma, come quello del Dittico-Zen (2011) di quest\u2019ultima Biennale.<\/p>\n
Resa vibrante e incredibilmente sensibile, la materia-colore \u00e8 plasmata dalle pi\u00f9 impercettibili variazioni di luce. Appare cos\u00ec assolutamente calzante quanto Tullio De Mauro scrive di Boille nel catalogo dell\u2019ultima Biennale: \u201cAlla sua opera l\u2019et\u00e0 avanzata (\u2026) non toglie intensit\u00e0 nella ricerca continua di risultati che a me paiono suggestive e splendenti testimonianze della sua vivida capacit\u00e0 di catturare nel segno pittorico l\u2019emergere di luce, \u2018fiocchi di luce\u2019, dal buio del cosmo.\u201d<\/p>\n
Un ruolo fondamentale \u00e8 giocato dalla luce anche nel lavoro di Lorenzetti, che sin dall\u2019inizio della sua parabola artistica la usa per liberare la scultura dai nodi della materia in quanto massa e peso, per consegnarla invece al dominio di elementi imponderabili quali il vuoto e l\u2019energia. Gi\u00e0 nelle opere esposte alla sua prima Biennale, nel 1970 (parteciper\u00e0 anche alle edizioni del \u201872, del \u201876 e dell\u2019\u201986) la luce si irradia riflessa da sottili , flessibili, leggere lastre di metallo (cos\u00ec rare nella tradizione plastica), che contraggono all\u2019estremo i volumi e ne sprigionano energia, trasformando le strutture in configurazioni dinamiche e mutevoli, come le costellazioni del pensiero, sospese tra rigore formale, delicato lirismo e illimitata immaginazione.<\/p>\n
Spesso sospese anche letteralmente, alle pareti degli ambienti, come la stessa Velante (2010), pervasiva e impalpabile a un tempo, esposta alla Biennale 2011, la cui poetica \u00e8 ben sintetizzata dalle parole di Tullio Gregory \u201c\u2026in un fecondo dialogo fra ingenium e ars, fra la fantasia creatrice e la mano, Lorenzetti crea straordinarie immagini (\u2026) inattesi pensieri visivi, manifestazioni di una realt\u00e0 complessa, tesa fra malinconia e sorriso, fra rigore e ironia, fra misura e libert\u00e0.\u201d<\/p>\n
Quella di Gianfranco Notargiacomo \u00e8 anch\u2019essa una ricerca rigorosa ed “eidetica”, ma sempre fortemente ancorata all’universo percettivo, a quella che Nietzsche definiva “la grande ragione del corpo”. Partita, nei primi anni \u201870, da istanze figurative, ma di forte impronta sperimentale e concettuale, la sua arte \u00e8 approdata alle tormentate astrazioni di un\u2019 \u201cimperfetta\u201d geometria, misteriosa e lontanissima da Euclide, che si condensa tutta nel forte impatto percettivo di un\u2019opera come Quand\u2019\u00e8 cos\u00ec\u2026, realizzata per l\u2019ultima Biennale.<\/p>\n
Bench\u00e9 le figure umane siano da tempo scomparse, si avverte la sensazione di una corporeit\u00e0 traslata, di un\u2019energia intensamente organica: elementi gi\u00e0 presenti nella splendida serie Tempesta e Assalto, protagonista della sua prima Biennale, nel 1982 (seguita poi da quella dell\u2019\u201986), dove l’anima della pittura si dispiega con un’energia tale da far emergere con bruciante evidenza la primariet\u00e0 della pulsione plastico-pittorica, l’irrinunciabilit\u00e0 di un corpo o corpo dell’uomo artista con la materia.<\/p>\n
Grazie ai supporti solidi, alle sagomature e agli elementi aggettanti, la pittura di Notargiacomo trasgredisce continuamente il proprio statuto, supera i propri limiti per avvicinarsi alla scultura, all’installazione, all’opera-ambiente… Eppure il reperto fisico tende ad assumere valori altri, paradigmatici, primari, e la materia diventa l\u2019energia di un incommensurabile corpo-pensiero, cos\u00ec come ha messo in evidenza Giacomo Marramao nel suo testo di presentazione dell\u2019artista alla Biennale 2011: \u201cColore e luce, materia ed energia, stabilit\u00e0 strutturale e morfogenesi. Una tensione bipolare che segna e trascina da sempre la creazione di Gianfranco Notargiacomo. (\u2026) Ne risulta, come per sortilegio, il profilo ancipite (\u2026) di una pictura prima capace di dar forma, oltre la pittura stessa, al carattere \u2018sagittale\u2019 della materia\u201d .<\/p>\n<\/div>
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